Helden, die in Ecken kauern

„Der Astronaut – Project Hail Mary“ ist vie­les, was Sci-Fi-Streifen schon lan­ge nicht mehr waren: far­ben­froh, ver­letz­lich und vor allem: opti­mis­tisch. In einer immer mehr dem Nihilismus ver­fal­len­den Gesellschaft bil­det der Film einen Gegenpol, der einen wie­der hof­fen lässt. Eine Filmrezension.

Erzählerisch spielt „Project Hail Mary“ auf zwei Ebenen, in der Gegenwart im Weltraum und in der Vergangenheit auf der Erde. Im Laufe des Filmes wird Grace immer wie­der von Flashbacks geplagt, die ihm und dem Publikum mehr Kontext zu sei­ner Situation lie­fern: Er befin­det sich an Bord der „Hail Mary“, so heißt das Raumschiff, um eine Lösung zum soge­nann­ten Astrophagenproblem zu fin­den. Astrophagen, das sind kleins­te Mikroorganismen, die sich von der Sonnenenergie zu ernäh­ren schei­nen. Dadurch und weil sie sich expo­nen­ti­ell ver­meh­ren, droht eine Verdunklung der Sonne, die in den fol­gen­den drei Jahrzehnten eine kata­stro­pha­le Abkühlung der Erde her­bei­füh­ren würde.

Dass er aber nicht allem davon­ren­nen kann, merkt er spä­tes­tens bei sei­ner Ankunft im Tau-Ceti-System, wo sich her­aus­stellt, dass Menschen nicht die ein­zi­ge Spezies sind, die Experten auf eine Reise durchs All schick­ten, um ihr eige­nes Sternenproblem zu lösen. Nach eini­gem Hin und Her – und Grace’ Kampf gegen sein eige­nes Unterbewusstsein, das im Angesicht von allem Neuen die­sem am liebs­ten den Rücken keh­ren und Opossum spie­len möch­te – ent­ste­hen ers­te Kommunikationsversuche. Schnell wird klar, dass Rocky, so nennt Grace sei­nen neu­en außer­ir­di­schen Freund, und er ihre jewei­li­gen Sterne nur durch Zusammenarbeit ret­ten kön­nen. Trotz anfäng­li­cher Sprachbarrieren und dem Hindernis, dass bei­de in der Atmosphäre des jeweils ande­ren nicht über­le­ben kön­nen, flo­riert schnell eine inni­ge Freundschaft zwi­schen den bei­den, deren Dynamik für den Großteil des Humors im Film ver­ant­wort­lich ist.

Weirs Buch wird kom­plett aus der Ich-Perspektive von Ryland Grace erzählt, und dies wur­de, so gut es ging, ins Drehbuch über­nom­men: es gibt so gut wie kei­ne Szene im Film, in der Grace nicht vor­kommt, wodurch er zur unan­ge­foch­te­nen Hauptfigur wird. Rocky und Eva Stratt sind auf ihren jewei­li­gen Erzählebenen die zweit­wich­tigs­ten Figuren, der Rest des Ensembles rückt meist in den Hintergrund. Ryan Gosling hat daher eine enor­me schau­spie­le­ri­sche Last zu tra­gen – ohne eine min­des­tens respek­ta­ble Leistung sei­ner­seits wür­de der gesam­te Film in sich zusam­men­bre­chen. Ein Glück also, dass Gosling exzel­len­te Arbeit geleis­tet hat. Sein Ryland Grace ist sym­pa­thisch und auf eine rea­lis­ti­sche Art ver­letz­lich, dass man qua­si nicht anders kann, als mit ihm zu sym­pa­thi­sie­ren. Sowohl Sandra Hüllers Eva Stratt als auch James Ortiz’ Rocky sind in ihren Szenen die per­fek­ten Gegenspieler – auch weil sie mit Ryland in sehr unter­schied­li­chen Figurendynamiken ste­hen und so die Dreidimensionalität des Charakters hervorheben.

Wer wagt, gewinnt

Auch auf der Produktionsebene zeigt „Project Hail Mary“, dass es nicht so ist wie die ande­ren Weltraumfilme der letz­ten Jahre: wäh­rend Blockbuster wie „Interstellar“ mit einer Farbpalette von Blaugrautönen und dem ein oder ande­ren Greige arbei­te­ten, um die Kälte und Hoffnungslosigkeit des Alls zu emu­lie­ren, so ent­schie­den sich die Macher von „Project Hail Mary“ für das Gegenteil. Das Weltall wird als far­ben­fro­her Ort dar­ge­stellt, bei dem Assoziationen mit der Technicolor-Farbpalette auf­kom­men. Das viel­ver­wen­de­te ent­sät­tigt-dys­to­pi­sche Color Grading fand aus­schließ­lich für eine Handvoll Szenen auf der Erde Verwendung. Der gan­ze Film strotzt nur so vor Farben, die im Science-Fiction-Genre seit Jahren als ver­al­tet gel­ten, und ebnet einen neu­en Pfad abseits des Sci-Fi-Trends der letz­ten Jahrzehnte. Es bleibt zu hof­fen, dass nach­fol­gen­de Produktionen den glei­chen Mut bewei­sen und dass Hollywood in Zukunft wie­der mehr Farbe wagt.

Auch Rocky ist nicht kom­plett com­pu­ter­ge­neriert – er exis­tiert vor allem als Puppe. Diese kam in 90 Prozent des Drehs zum Einsatz, nur in weni­gen Szenen konn­ten sie und ihr Puppenspieler James Ortiz – der Rocky auch spricht und so Improvisationen am Set ermög­lich­te – nicht ein­ge­setzt werden.

Shoot for the Stars, treffe den Mond?

Alles in allem funk­tio­niert sehr viel an die­sem Film: die wech­seln­den Bildverhältnisse zwi­schen den Erzählebenen Weltraum und Erde, die wirk­lich run­de Filmmusik – die sehr gut ver­steht, wann sie laut, aber beson­ders auch wenn sie lei­se zu sein hat –, das Design von Rocky und so viel mehr. Was „Project Hail Mary“ aber in der jet­zi­gen Zeit fast revo­lu­tio­när wir­ken lässt, ist das opti­mis­ti­sche Kernmotiv. Die Idee, dass selbst apo­ka­lyp­tisch anmu­ten­de Situationen sich lösen las­sen, solan­ge die Menschheit zusam­men an der Lösung arbei­tet, schöpft Hoffnung und ent­facht Tatendrang, auch wenn es das wahr­schein­lich unrea­lis­tischs­te Element des gesam­ten Films dar­stellt – und wir reden hier von einem Film, in dem außer­ir­di­sche Zellorganismen als Raketenantrieb ver­wen­det werden.

Allerdings schei­tert der Film, wenn es um das Ausgleichen der wit­zi­gen und ernst­haf­ten Momente geht, auch wenn man merkt, dass im Drehbuch ver­sucht wur­de, die­se Balance zu hal­ten. Letztendlich wer­den eini­ge Storybeats nicht getrof­fen, bezie­hungs­wei­se sie wer­den zu schnell gelöst, wodurch das emo­tio­na­le Potenzial uner­füllt bleibt. Vermeintlich unüber­wind­ba­re, kom­ple­xe Hürden und Situationen, die den Charakteren unter­be­wusst stark zuset­zen, fin­den nach ers­ter Bewusstmachung oft zu schnel­le, zu ein­fa­che Lösungen. Auch ist Rocky für Grace in man­chen Aspekten eine Art Deus ex Machina: ohne zu spoi­lern, gibt es mehr als eine Schwachstelle, die Ryland auf der Handlungsebene unüber­wind­ba­re Hindernisse in den Weg stellt und im Buch von bei­den Figuren über län­ge­re Zeit gelöst wer­den muss. Im Film wird die­se Zeit teil­wei­se auf Halbsätze redu­ziert, was das anfäng­li­che Gewicht die­ser Hindernisse unglaub­haft macht.

Weiterhin wer­den Personen, die das Buch gele­sen oder gehört haben, eini­ge Unterschiede bemerkt haben – und eini­ges ver­mis­sen. Von der eigent­li­chen Persönlichkeit Eva Stratts bleibt außer ihrer Autoritätsposition nicht viel übrig. Und im Vergleich zum Buch ist selbst die­se eher weich­ge­zeich­net. Auch feh­len eini­ge Handlungsabschnitte, in denen kurz­fris­ti­ge­re Lösungen als die längs­te Weltraummission der Menschheit dis­ku­tiert und aus­ge­führt wer­den. Die Wichtigkeit der Hail Mary als aller­letz­te Option kommt daher ver­gleichs­wei­se im Film nar­ra­to­lo­gisch eher aus dem Nichts.

Natürlich lässt sich die­se Unterschlagung ein­fach dadurch begrün­den, dass der Film schon zwei­ein­halb Stunden lang ist und dass eine Einbindung die­ser Handlungsstränge den Rahmen end­gül­tig spren­gen wür­de. Dem möch­te ich ent­geg­nen, dass dies objek­tiv gese­hen zwar rich­tig ist, ich aber trotz­dem ger­ne die Szenen gese­hen hät­te, in denen (Buchspoi­ler!) Stratt, Grace und Freund:innen nun im Namen der Menschheit den Klimawandel auf ein­mal vor­an­trei­ben müs­sen und als Lösung unter ande­rem einen Großteil der Antarktis mit Atombomben spren­gen. Aber man kann ja nicht alles haben im Leben.

Die Politik von Hoffnung

Trotzdem bleibt der Film wei­test­ge­hend eine gut gelun­ge­ne Adaption des Originalwerks. Und beson­ders in den tur­bu­len­ten Zeiten, wie man sie gra­de erlebt – in denen US-Präsident Trump Kriege vom Zaun bricht und damit mal eben die Weltwirtschaft kol­la­biert, wo Demokratien so insta­bil wir­ken wie schon lan­ge nicht mehr und in der der Großteil der jun­gen Generation in Sachen Zukunft eher schwarz sieht – stellt der opti­mis­ti­sche Kern von „Project Hail Mary“ eine will­kom­me­ne Abwechslung zur Gegenwart dar.

Rebekka Makkai schreibt in ihrem 2018 erschie­nen Artikel „The World’s on Fire. Can We Still Talk About Books?“ („Die Welt brennt. Dürfen wir noch über Bücher reden?“), dass das Spüren und Versprühen von Freude ein radi­ka­ler Akt sei. Viele Kritiker:innen beti­teln Clark Kents Aussage „Kindness is punk rock“ („Freundlichkeit ist Punkrock“) im 2025 erschie­ne­nen „Superman“ als die Kernthese des Films. Die Rückbesinnung auf Freude und Freundlichkeit ist auch eine Rückbesinnung auf unse­re Menschlichkeit. In einer von Angst gesteu­er­ten Gesellschaft – in der das Hauptaugenmerk der Berichterstattung dar­auf liegt, zu defi­nie­ren, was alles schief läuft und wel­che ver­meint­li­chen Gefahren hin­ter jeder Ecke lau­ern – ist der Drang nach Isolation und Abkapselung als Schutzmechanismus groß. Die Gemeinschaft sei gefähr­lich, es lebe das Individuum!

Im Kontext die­ser gesell­schaft­li­chen Entwicklung stel­len die Aussagen Makkais und Kents Gegenpositionen zum Status Quo dar. Ihre Aussagen sind Plädoyers für Freundlichkeit, Freude und Offenheit, auch wenn dies Mut erfor­dert. Sie unter­ma­len die Bedeutsamkeit die­ser als Maßnahmen poli­ti­schen Widerstands im Kampf gegen den Nihilismus. Bessere Welten in Filmen und opti­mis­ti­sche Ausblicke auf die Zukunft wir­ken moti­vie­rend und stel­len Vorbilder, die zei­gen, wie Veränderung funk­tio­nie­ren kann – dass eine Person schon reicht, um einen Unterschied zu machen. Sie bekämp­fen die Idee der Machtlosigkeit des Einzelnen und schü­ren Hoffnung in Menschen, die Hoffnung drin­gend nötig haben, die viel­leicht schon auf­ge­ge­ben haben – oder kurz davor standen.

Deswegen ist ein Film wie „Project Hail Mary“, bei dem man den Kinosaal mit einem Lächeln und einem Gefühl von Hoffnung ver­lässt, zur­zeit so wich­tig. Es gab genug zynisch-pes­si­mis­ti­sche Filme über die Zukunft, genü­gend Ausschlachtungen des uti­li­ta­ris­tisch-ego­is­ti­schen Geistes der Menschheit. Zeit für Optimismus, etwas ande­res bleibt uns eh nicht übrig.